Biographie

Artiste peintre installée en Provence depuis quelques années, j'ai toujours entretenu un lien intime avec la couleur, la lumière et leur pouvoir d'évocation. Depuis mon plus jeune âge, le dessin et l’expression picturale se sont imposés à moi comme une évidence. Encouragée par une professeure de dessin qui a su percevoir ma sensibilité artistique et m'a guidée vers les Beaux-Arts. Là, j'ai affiné ma maîtrise de la peinture (à l'huile, à l'acrylique) et du pastel, explorant les nuances, la matière, et le langage silencieux des couleurs.

Si mon chemin professionnel m’a menée vers le marketing, la communication et l’optique, le regard artistique, lui, ne m’a jamais quittée. Ces expériences ont affûté mon sens de l’observation, mon goût du détail et ma sensibilité à la lumière.

C'est en Provence que ma démarche à pris tout son sens. Inspirée et guidée par la beauté de ses paysages et par la spiritualité qui s'en dégage, j'ai créé un personnage symbolique : ma « lavandière ». Présente dans chacun de mes 13 tableaux, elle incarne la quête intérieure et le cheminement vers la lumière.

Ma recherche artistique s'articule autour de la lumière et de sa symbolique : elle représente la connaissance, la pureté, la révélation. J'intègre dans mes toiles un travail de feuille d'or, pour souligner un élément précieux — comme l'eau, le soleil, la vigne, le miel, l'olivier et l'huile — et révéler sa dimension sacrée.

Mon premier tableau, représentant la lavandière à l'abbaye de Sénanque, marque le début d'un parcours spirituel en treize étapes. Le dernier, le treizième, invite à la découverte de sa propre lumière : celle que chacun porte en soi et cherche à révéler au monde.

Miska de Luber.

Démarche artistique

Ma peinture naît d’un temps d’arrêt.
Avant le geste, il y a l’observation. Avant la couleur, il y a l’écoute.

Je travaille à partir du territoire du Luberon, non comme un paysage à représenter, mais comme une présence à habiter. Les lieux, les gestes simples, les activités ancestrales, la lumière naturelle constituent la matière première de mon travail. Ils sont les points d’entrée d’une réflexion plus intérieure, où le visible devient le seuil de l’invisible.

Chaque tableau est issu d’un processus d’introspection. Il ne s’agit pas de raconter une histoire ni de livrer un message, mais de créer un espace de résonance. La peinture devient alors un lieu de passage, où le regard peut se poser, ralentir, et se reconnaître sans être guidé.

La couleur est mon langage central. Elle structure l’espace, porte l’émotion et engage le corps du spectateur. Je ne cherche pas l’effet, mais la justesse : une harmonie qui se construit par couches successives, par retraits, par silences autant que par présences.

La matière est travaillée comme une mémoire. Certaines zones sont denses, d’autres volontairement laissées ouvertes, presque inachevées, afin de laisser respirer le regard. Cette tension entre plein et vide participe de l’équilibre du tableau.

J’intègre parfois de la feuille d’or, utilisée avec retenue. Elle n’est jamais décorative. Elle agit comme un point de lumière intérieure, une trace du sacré discret que portent les gestes ordinaires. L’or capte la lumière, mais surtout le temps : il révèle ce qui persiste.

La figure humaine, lorsqu’elle apparaît, est souvent vue de dos ou partiellement. Ce choix n’est pas esthétique mais symbolique : il permet au spectateur de prendre place dans l’œuvre. La figure devient un seuil, non un sujet.

Mon travail s’inscrit dans une démarche de transmission silencieuse. Les tableaux sont pensés pour être vus dans des lieux de vie, de passage, de contemplation — restaurants, villages, lieux patrimoniaux — afin que la rencontre avec l’art se fasse sans injonction, naturellement.

Peindre, pour moi, n’est pas produire des images.
C’est habiter la lumière, et proposer à chacun un espace où se déposer.